FAIXA-A-FAIXA: Glassbox - The Children Object Box

Texto e fotos: Cris Tavelin

Arestas cortantes de uma caixa vítrea

[Parte 1 - Uma breve introdução hipnótica]

Na resenha de um dos últimos shows do Glassbox (produzida pelo nosso caro Fukuda, da banda Espasmos do Braço Mecânico) “hipnótico” foi um dos termos utilizados como referência à sonoridade do trio. Acho que foi um tiro certeiro para definir a música deles em um adjetivo.

Felizmente, a complexidade ali vai longe. Adiei bastante esse faixa-a-faixa por não saber, até agora, como traduzir em palavras o que se passa no The Children´s Object Book. Um nome um tanto peculiar, relacionados às belas imagens do encarte e talvez à prosa poética que se estende ao longo das dez faixas pulsantes desse álbum de estréia – um retrato sobre a crueza das relações humanas objetais, a busca por uma saída em meio ao caos interior, a confusão e o deslocamento social - um retrato sobre o que nos aguarda após a infância.

Detalhes necessários a se comentar nessa introdução. Percebe-se claramente uma extensa pesquisa de timbres, sonoridades e efeitos dos mais variados como em poucas bandas hoje em dia (que se contentam em ligar seus instrumentos no volume máximo, destituindo a música de qualquer variação dinâmica ou sensorial).

The Children´s Object Book parte de uma construção criativa que inclui insights extraídos de livros, músicas, reflexões sobre o mundo interior e exterior. Mas para entender o mundo do Glass deve-se olhar por outro prisma, pela brecha entre o real e o onírico, espaço que não pode ser apreendido apenas pelos cinco sentidos. Adentremos o obscuro e claustrofóbico interior da caixa de vidro.

[Parte 2 - Abre-se o livro]

Glassbox tem um “q” de: catártico, teatral, noturno, tenso, dramático, visceral, agressivo, austero.

No som deles toca: The Sound - P.I.L. - Uk Decay - The Birthday Party - Television - The Passions - My Bloody Valentine - T-Rex - REM - Echo & the Bunnymen.

Automaton
Logo nos primeiros segundos de audição pode-se pressentir que o baixo será vigoroso ao longo do álbum, carregando um timbre denso e macio. Em Automaton, a guitarra pontua a música com seus agudos, enquanto a voz flui em um tom automatizado durante o primeiro verso. Num grito repentino a bateria se desconstrói, trazendo algo de dramático na continuidade da música. A tensão aumenta e as viradas de caixa interpostas entre os compassos parecem pedras no caminho, unido-se a um contorcido flanger na medida em que toda a automação se revela uma fonte de angústia e impaciência. O fim não existe, é quebrado irregular. Não tem ponto, apenas vírgula.

Short Cut
Com uma das belas melodias que vão desenhar o The Children´s Object Book, Short Cut traz uma guitarra com acordes cheios junto a um baixo distorcido e ruidoso ao fundo, como a voz indefinida de uma consciência. Quando os graves das quatro cordas morrem e levam consigo a “introdução”, os agudos da telecaster e um chimbal cristalino entram puxando-o de volta em um ritmo etéreo. O baixo permanece circulando incessantemente, criando um contraste entre sua sutileza e a beleza da melodia principal. O vocal pontua alguns pensamentos até que chegamos perto do desfecho, quando a bateria entra numa taquicardia musical. Short Cut fecha-se num grito espasmódico, um corte na garganta sem misericórdia, sem mais.

Promenade with the Same Reflection
Com uma das baterias mais interessantes do disco - apesar de não ser a mais complexa – Promenade traz uma (de)cadência de tons na linha de bateria muito bem pensada. A guitarra segura agudos e desfaz a melodia em ruídos estranhos, numa atmosfera de medo criada no segundo plano. Não há um casamento nítido entre os três instrumentos, parecem repetir frases distintas dentro de um mesmo tema. Segue tensa, se alonga e não muda, indiferente a nossa ansiedade.

Foolish Hunt
Um arpejo rápido abre a caçada sonora de Foolish Hunt, que vem com toda a força destrutiva do post-punk. Baixo e guitarra conversam no início, em um jogo de graves e agudos bonito de se ouvir. Tem algo de dançante na sua intensidade acelerada, puxada pela elevação de tom dos vocais no seu desenvolvimento. Linear e repetitiva, “walk fast in line”. A “interferência” de viradas na caixa por vezes quebra sua estabilidade, mas não desvia o tiro do alvo certo.

The Second Hollow Man
No rufar de bateria se anuncia uma das músicas mais instigantes desse álbum. Com uma face urbana de centros perdidos e cinzas que se desdobram em mundos paralelos, reflete a solidão dos transeuntes circulando incessantemente sem saber aonde ir. A repetição do baixo cria uma certa angústia, algo que se transforma quase em uma marcha na bateria dos minutos finais - uma caminhada sem rumo, liderada pela força onipresente de uma liberdade ilusória. A voz segue como um mantra, um único som reverberando pelas massas. O bumbo espaçado que se aproxima do fim soa como batidas à porta, amplifica o medo, a perseguição por algo indecifrável. George Orwell entenderia essa música. Seria o fim ou apenas o início do terror?

Behind Backalley Sounds
Em um ritmo ainda mais tribal, Behind Backalley Sounds tem algo de sagrado e antigo. Com mudanças inesperadas em mais uma música na qual não se pode definir verso ou refrão – a banda ganha muitos pontos nesse aspecto - o vocal desenvolve a melodia envolto na textura criada pela guitarra. Se o imprevisível tivesse uma sonoridade seria esta. Se os fantasmas dentro de cada um de nós pudessem falar, teriam essa voz.

New Eastern Mirage
Nessa faixa a bateria eletrônica faz com que a densidade sonora esmoreça um pouco, mas os outros instrumentos continuam a se garantir perfeitamente. A guitarra se arrasta por slides circulares criando outra dimensão - parece ecoar de um lugar obscuro dentro da memória. A melodia dela, alias, completa o sentido de miragem e se destaca com grandiosidade. Parece uma lamúria ancestral, um lamento coletivo. Termina do nada. Apaga-se.

Homilia
Começa de forma estranha. Ainda com bateria eletrônica, que nela ganha um novo sentido junto ao teclado. Os agudos e variações inesperadas na ótima melodia do baixo remetem a Peter Hook, David Haskins, citando apenas alguns dos que fizeram história com esse instrumento. Parece uma tempestade prestes a desabar, no sentido figurado ou não. Tempestade que queima em estranhos efeitos no seu encerramento.

Castway´s Lament
Nessa altura do disco achamos já ter ouvido de tudo. Ledo engano, eles continuam experimentado. Nessa faixa, de um tempo estranho e quebrado, a baixista Rosangela Fernandes joga seus vocais pela primeira vez no álbum. Sua voz quase andrógina lamenta e lamenta, o nome já diz, porém num tom relutante, inconformado. Em sua solitária ouvem-se apenas ruídos ásperos feitos de cimento, chumbo e microfonia.

South Plane Way
A última faixa fecha o disco de forma brilhante, numa melodia com “cara de final”. Não faço ideia de como se atinge essa sensação musicalmente falando, mas eles conseguiram. Em meio a tantas incertezas, seres deslocados, solidões e lamentos, o vôo vai longe e termina em queda livre no precipício. A última súplica à vida tem algo de feliz, talvez por resultar do próprio “desejo de Ícaro”. Fecha-se com um grito cortante para o além. Disco não recomendado a pessoas com problemas no coração, no sentido concreto e muito, muito além dele.

[Parte 3 - Vidro sobre vidro - o processo de criação]

Cris Tavelin: De onde partiu a idéia do nome Glassbox?
Michael Chalmer (vocalista, guitarrista e tecladista): De uma conversa sobre caixas cheias de rosas... Ou a verdade aprisionada numa caixa de vidro... Na primeira formação da banda. Já faz algum tempo.

CT: Como se deu o processo de composição do The Children’s Object Book?
MC: Sessões de improviso, leitura, evocações sensoriais sobre as letras, muitas discussões... E algumas intervenções de cinema mudo (risos).

CT: Por que esse nome foi escolhido para o álbum?
MC: Pelo propósito do paralelo feito entre os “objetos das crianças” e pessoas que se tornam ou não se importam em ser objetos de outros.

CT: O álbum gira em torno de algum conceito específico, tem uma linearidade, ou as canções são independentes entre sí?
MC: Um conceito poderia ser “futilidade humana”, mas preferimos que quem venha a ouvir este álbum tenha seu próprio entendimento... Linearidade talvez não. Não pensamos muito nisso quando criamos tudo! (risos) Mas todas têm foco nos nossos sentimentos mais extremos...

CT: Quais as principais referências para melodias e letras desse álbum?
MC: Ow...! Referências para melodias?! (risos) Vamos ver... Mussorgsky talvez. Algo de P.I.L.; Sons de cristais tilintando com o vento em contraponto ao apito grave de navios e fábricas cinzentas... E as letras são sobre tudo o que sentimos e que nos incomoda como, por exemplo... frieza humana e estupidez por opção...! (risos)

CT: Como foi a criação da capa? Qual a ligação dela com as músicas do álbum?
MC: A capa foi elaborada com ideias retiradas de livros didáticos infantis bem antigos e fotos feitas por mim, Michael, e pela Rosangela, como a da contra capa, em que aparecem instrumentos musicais de brinquedo (mas que tocam de verdade...). A capa propõe uma conotação sobre possuir coisas e outros indivíduos, e talvez a gratuidade e desdém deste ato. Nossas músicas tratam sobre isso também...

CT: Vocês ainda escutam esse álbum nas horas vagas? Qual a avaliação que têm dele? Conseguiram atingir o objetivo inicial?
MC: Quase nunca. Preferimos tocá-lo... (risos). Acho que o álbum poderia ser melhor tratado tecnicamente, mas quanto as músicas em si, estão exatamente como queríamos...!