Eis que se rasga o sachê. A mostarda suja a partitura e um novo rebento nasce sob o holofote da não-vaidade. Eis que se amplifica a dissonância da essência do universo, a microfonia da alma. Vestido de sua verdade e vontade, dá as caras, transgredindo em ideias e ações para a circulação e exposição do novo, seja na música, seja nas artes em geral. Eis o coletivo Bequadro Mostarda.
Pô, também merecemos um descanso né? Mas o Bequadro Mostarda dá um reinício (sem alusão a nenhuma banda de merda hein) às suas atividades, com a mais tradicional festa, na mais tradicional casa da história do Lumiere!
As informações estão no cartaz, elaborado pelo gentil e serelepe Gabriel Ronconi, mas nunca é demais salientar:
O motim se dará no dia 11 de setembro (data bem representada pela siamesas da arte concordam?), na Choperia Óbvio, casa pindense famigerada, a partir das 20h, e as pessoas serão estimuladas a sugestíveis encoxadas ao som das bandas: Vincebuz El Efecto Hit Cinema Show Jane Dope Maquiladora
Além das bandas, os ritos urbanos noturnos terão como trilha a seleção dos DJs Gabriel Ronconi e Cassio.
E por último, mas não menos importante, as pessoas poderão prestigiar os registros de momentos únicos que marcaram a história do rock independente do Alto Tietê, Vale do Paraíba e Capital sob a óptica dos fotógrafos Stefano Martins, Carol Ribeiro e Oswaldo 'Kbça' Corneti.
Na resenha de um dos últimos shows do Glassbox (produzida pelo nosso caro Fukuda, da banda Espasmos do Braço Mecânico) “hipnótico” foi um dos termos utilizados como referência à sonoridade do trio. Acho que foi um tiro certeiro para definir a música deles em um adjetivo.
Felizmente, a complexidade ali vai longe. Adiei bastante esse faixa-a-faixa por não saber, até agora, como traduzir em palavras o que se passa no The Children´s Object Book. Um nome um tanto peculiar, relacionados às belas imagens do encarte e talvez à prosa poética que se estende ao longo das dez faixas pulsantes desse álbum de estréia – um retrato sobre a crueza das relações humanas objetais, a busca por uma saída em meio ao caos interior, a confusão e o deslocamento social - um retrato sobre o que nos aguarda após a infância.
Detalhes necessários a se comentar nessa introdução. Percebe-se claramente uma extensa pesquisa de timbres, sonoridades e efeitos dos mais variados como em poucas bandas hoje em dia (que se contentam em ligar seus instrumentos no volume máximo, destituindo a música de qualquer variação dinâmica ou sensorial).
The Children´s Object Book parte de uma construção criativa que inclui insights extraídos de livros, músicas, reflexões sobre o mundo interior e exterior. Mas para entender o mundo do Glass deve-se olhar por outro prisma, pela brecha entre o real e o onírico, espaço que não pode ser apreendido apenas pelos cinco sentidos. Adentremos o obscuro e claustrofóbico interior da caixa de vidro.
[Parte 2 - Abre-se o livro]
Glassbox tem um “q” de: catártico, teatral, noturno, tenso, dramático, visceral, agressivo, austero.
No som deles toca: The Sound - P.I.L. - Uk Decay - The Birthday Party - Television - The Passions - My Bloody Valentine - T-Rex - REM - Echo & the Bunnymen.
Automaton Logo nos primeiros segundos de audição pode-se pressentir que o baixo será vigoroso ao longo do álbum, carregando um timbre denso e macio. Em Automaton, a guitarra pontua a música com seus agudos, enquanto a voz flui em um tom automatizado durante o primeiro verso. Num grito repentino a bateria se desconstrói, trazendo algo de dramático na continuidade da música. A tensão aumenta e as viradas de caixa interpostas entre os compassos parecem pedras no caminho, unido-se a um contorcido flanger na medida em que toda a automação se revela uma fonte de angústia e impaciência. O fim não existe, é quebrado irregular. Não tem ponto, apenas vírgula.
Short Cut Com uma das belas melodias que vão desenhar o The Children´s Object Book, Short Cut traz uma guitarra com acordes cheios junto a um baixo distorcido e ruidoso ao fundo, como a voz indefinida de uma consciência. Quando os graves das quatro cordas morrem e levam consigo a “introdução”, os agudos da telecaster e um chimbal cristalino entram puxando-o de volta em um ritmo etéreo. O baixo permanece circulando incessantemente, criando um contraste entre sua sutileza e a beleza da melodia principal. O vocal pontua alguns pensamentos até que chegamos perto do desfecho, quando a bateria entra numa taquicardia musical. Short Cut fecha-se num grito espasmódico, um corte na garganta sem misericórdia, sem mais.
Promenade with the Same Reflection Com uma das baterias mais interessantes do disco - apesar de não ser a mais complexa – Promenade traz uma (de)cadência de tons na linha de bateria muito bem pensada. A guitarra segura agudos e desfaz a melodia em ruídos estranhos, numa atmosfera de medo criada no segundo plano. Não há um casamento nítido entre os três instrumentos, parecem repetir frases distintas dentro de um mesmo tema. Segue tensa, se alonga e não muda, indiferente a nossa ansiedade.
Foolish Hunt Um arpejo rápido abre a caçada sonora de Foolish Hunt, que vem com toda a força destrutiva do post-punk. Baixo e guitarra conversam no início, em um jogo de graves e agudos bonito de se ouvir. Tem algo de dançante na sua intensidade acelerada, puxada pela elevação de tom dos vocais no seu desenvolvimento. Linear e repetitiva, “walk fast in line”. A “interferência” de viradas na caixa por vezes quebra sua estabilidade, mas não desvia o tiro do alvo certo.
The Second Hollow Man No rufar de bateria se anuncia uma das músicas mais instigantes desse álbum. Com uma face urbana de centros perdidos e cinzas que se desdobram em mundos paralelos, reflete a solidão dos transeuntes circulando incessantemente sem saber aonde ir. A repetição do baixo cria uma certa angústia, algo que se transforma quase em uma marcha na bateria dos minutos finais - uma caminhada sem rumo, liderada pela força onipresente de uma liberdade ilusória. A voz segue como um mantra, um único som reverberando pelas massas. O bumbo espaçado que se aproxima do fim soa como batidas à porta, amplifica o medo, a perseguição por algo indecifrável. George Orwell entenderia essa música. Seria o fim ou apenas o início do terror?
Behind Backalley Sounds Em um ritmo ainda mais tribal, Behind Backalley Sounds tem algo de sagrado e antigo. Com mudanças inesperadas em mais uma música na qual não se pode definir verso ou refrão – a banda ganha muitos pontos nesse aspecto - o vocal desenvolve a melodia envolto na textura criada pela guitarra. Se o imprevisível tivesse uma sonoridade seria esta. Se os fantasmas dentro de cada um de nós pudessem falar, teriam essa voz.
New Eastern Mirage Nessa faixa a bateria eletrônica faz com que a densidade sonora esmoreça um pouco, mas os outros instrumentos continuam a se garantir perfeitamente. A guitarra se arrasta por slides circulares criando outra dimensão - parece ecoar de um lugar obscuro dentro da memória. A melodia dela, alias, completa o sentido de miragem e se destaca com grandiosidade. Parece uma lamúria ancestral, um lamento coletivo. Termina do nada. Apaga-se.
Homilia Começa de forma estranha. Ainda com bateria eletrônica, que nela ganha um novo sentido junto ao teclado. Os agudos e variações inesperadas na ótima melodia do baixo remetem a Peter Hook, David Haskins, citando apenas alguns dos que fizeram história com esse instrumento. Parece uma tempestade prestes a desabar, no sentido figurado ou não. Tempestade que queima em estranhos efeitos no seu encerramento.
Castway´s Lament Nessa altura do disco achamos já ter ouvido de tudo. Ledo engano, eles continuam experimentado. Nessa faixa, de um tempo estranho e quebrado, a baixista Rosangela Fernandes joga seus vocais pela primeira vez no álbum. Sua voz quase andrógina lamenta e lamenta, o nome já diz, porém num tom relutante, inconformado. Em sua solitária ouvem-se apenas ruídos ásperos feitos de cimento, chumbo e microfonia.
South Plane Way A última faixa fecha o disco de forma brilhante, numa melodia com “cara de final”. Não faço ideia de como se atinge essa sensação musicalmente falando, mas eles conseguiram. Em meio a tantas incertezas, seres deslocados, solidões e lamentos, o vôo vai longe e termina em queda livre no precipício. A última súplica à vida tem algo de feliz, talvez por resultar do próprio “desejo de Ícaro”. Fecha-se com um grito cortante para o além. Disco não recomendado a pessoas com problemas no coração, no sentido concreto e muito, muito além dele.
[Parte 3 - Vidro sobre vidro - o processo de criação]
Cris Tavelin: De onde partiu a idéia do nome Glassbox? Michael Chalmer (vocalista, guitarrista e tecladista): De uma conversa sobre caixas cheias de rosas... Ou a verdade aprisionada numa caixa de vidro... Na primeira formação da banda. Já faz algum tempo.
CT: Como se deu o processo de composição do The Children’s Object Book? MC: Sessões de improviso, leitura, evocações sensoriais sobre as letras, muitas discussões... E algumas intervenções de cinema mudo (risos).
CT: Por que esse nome foi escolhido para o álbum? MC: Pelo propósito do paralelo feito entre os “objetos das crianças” e pessoas que se tornam ou não se importam em ser objetos de outros.
CT: O álbum gira em torno de algum conceito específico, tem uma linearidade, ou as canções são independentes entre sí? MC: Um conceito poderia ser “futilidade humana”, mas preferimos que quem venha a ouvir este álbum tenha seu próprio entendimento... Linearidade talvez não. Não pensamos muito nisso quando criamos tudo! (risos) Mas todas têm foco nos nossos sentimentos mais extremos...
CT: Quais as principais referências para melodias e letras desse álbum? MC: Ow...! Referências para melodias?! (risos) Vamos ver... Mussorgsky talvez. Algo de P.I.L.; Sons de cristais tilintando com o vento em contraponto ao apito grave de navios e fábricas cinzentas... E as letras são sobre tudo o que sentimos e que nos incomoda como, por exemplo... frieza humana e estupidez por opção...! (risos)
CT: Como foi a criação da capa? Qual a ligação dela com as músicas do álbum? MC: A capa foi elaborada com ideias retiradas de livros didáticos infantis bem antigos e fotos feitas por mim, Michael, e pela Rosangela, como a da contra capa, em que aparecem instrumentos musicais de brinquedo (mas que tocam de verdade...). A capa propõe uma conotação sobre possuir coisas e outros indivíduos, e talvez a gratuidade e desdém deste ato. Nossas músicas tratam sobre isso também...
CT: Vocês ainda escutam esse álbum nas horas vagas? Qual a avaliação que têm dele? Conseguiram atingir o objetivo inicial? MC: Quase nunca. Preferimos tocá-lo... (risos). Acho que o álbum poderia ser melhor tratado tecnicamente, mas quanto as músicas em si, estão exatamente como queríamos...!
Eis que pela segunda vez o seminal Violeta de Outono faz outra apresentação histórica na cidade do caqui e dos cogumelos comestíveis. Há 4 anos atrás, mais precisamente no dia 09/06/2006, o conjunto esteve na cidade durante a divulgação do seu 6º trabalho chamado Ilhas - lançado um ano antes – no mesmo Teatro Vasquez, apresentação essa devidamente resenhada aqui. Desta vez fizeram um show de pré-lançamento de seu 8º álbum Espectro, onde se pôde perceber claramente a tendência progressiva que a banda vem trilhando.
Logo após uma rápida entrevista concedida com exclusividade para o Bequadro Mostarda (Quer ver? Vá até o final desta resenha, oras) eles subiram no palco para um banho de “psicodelia progressiva” (odeio rótulos) para uma platéia absorta de aproximadamente 50 pessoas, diria sortudos, que tiveram a felicidade de apreciar o “crème-de-la-crème” da vulgo psicodelia brasileira criada em fins do século XX que permanece “alive and kicking” em pleno século XXI. Instrumentos a postos, o tecladista (e também mogiano) Fernando Cardoso solta notas oriundas de seu espetacular Hammond que remetem diretamente a timbres que te fazem, como numa onda, navegar pelo melhor da psicodelia dos anos 60/70 na forma de uma introdução psíquica ao fundo da mente, logo emendada pelo riff esperto do cérebro do Violeta, o talentoso e gentil Fabio Golfetti. Era a inconfundível Outono, hit do primeiro ábum de 1987, que surpreendeu logo de cara e foi extremamente bem acompanhada de Declínio de Maio, esta última casando perfeitamente com o frio glacial que fazia nestas plagas e que tirou as primeiras lágrimas emocionadas deste resenhista babão e sentimental.
Em seguida mandaram a bela e onírica Além do Sol (do álbum Volume 7, de 2007), acompanhada de Cartas do álbum Ilhas, marcada pelos backing vocals “no ponto” do mais novo integrante da banda, o baterista Fred Barley, as quais arrancaram aplausos efusivos da platéia compenetrada e extremamente polida que dividia os prazeres noturnos de uma quinta-feira gélida. É importante frisar que desde o começo da apresentação, um telão situado no fundo do palco projetava imagens viajantes que pareciam metamorfoses moleculares, como se estivéssemos a bordo de uma micro câmera instalada dentro de um microorganismo aquático, ou sideral, em vida. Enfim, uma brisa bem “da boa” pra quem as contempla ao som do VDO.
Os próximos 20 minutos demonstrariam ser um show a parte. A primeira peça oriunda do novo álbum Espectro apareceu sob a insígnia de Ondas Leves, um tema calmo e etéreo que recebe a voz de Fábio Golfetti apenas após uns bons 3 minutos de execução e vai com o tempo crescendo até atingir uma progressividade tamanha conduzida pelo jazzbass preciso de Gabriel Costa, que abre espaço a um solo de guitarra extremamente harmonioso, completando um casamento King Crimsoniano “à trois” entre baixo, teclados e bateria até culminar, minutos mais tarde, num solo percussivo do batera Fred que serviu como deixa para os mais de 10 minutos da incrível Fronteira, também do álbum Volume 7 (álbum este que estava sendo distribuído na entrada para quem falasse a palavra “Espectro”). Esta emenda foi uma gema dourada para fãs da boa música a qual recebeu aplausos a altura da grandiosidade proposta. Acalmando o coração, impressionado pela incrível qualidade sonora, entrosamento e profissionalismo da banda, veio, do mesmo álbum, a calma e “gringa” Eyes Like Butterflies.
Grata surpresa recebemos sob a graça de Solstício (veja trecho acima), outra do novo álbum, que demonstra principalmente através de sua excepcional melodia, grande auto-referência à identidade do VDO excelentemente bem costurada com a verve progressiva na qual a banda vem trilhando desde seu álbum anterior. Solstício é coisa fina. Ainda mais quando seguida do eterno maior hit do VDO, Dia Eterno, executada com perfeição e com um tesão incrível, mesmo 25 anos depois. Dia Eterno serviu de gancho ainda para uma volta ao primeiro álbum. Imagina você sentado, chapando naquelas imagens incríveis do telão com uma qualidade absurda de áudio proveniente do palco, sendo convidado a uma viagem contemplativa ao jardim gótico e onírico do Violeta ao som da espetacular Noturno Deserto e de repente, quando você se dá conta, o jazzbass de Gabriel Costa te desperta numa sequência hipnótica de “rés & mis”, como um exército de Sombras Flutuantes te seguindo através da neblina da noite, enquanto Fernando Cardoso usa e abusa de timbres na teclas e Mr Golfetti ajoelha-se ante sua strato posta ao chão, brincando com os mais variados delays e efeitos, te teletransportando física e psicologicamente para os mais ácidos cantos profundos dos mais belos sonhos. E o auge da transposição se deu ao som de glissando guitar que serviu para apresentar a peça final, a já tradicional “Beatleniana”Tomorrow Never Knows executada impecavelmente, para o bem dos nossos olhos, ouvidos, corações e almas.
Teoricamente seria o fim, mas é claro que os presentes pediram bis, que veio surpreendentemente vestido de Syd Barrett (difícil quem não saiba, mas um dos projetos paralelos do VDO se trata de um Tributo ao Crazy Diamond, que celebrava a vida de Barrett, mas encontra-se hoje em estado de inanição desde sua morte repentina) em forma das pérolas seminais da psicodelia mundial Arnold Layne e See Emily Play. Incrível a perfeição com que o Violeta executa as obras do gênio (tanto fase Pink Floyd quanto carreira solo) como também os timbres vocais que se equalizam de forma surpreendente com as originais. Tipo, você fecha os olhos e se sente na Swinging London de 1967, saca?
Uma hora e quarenta minutos de pura lisergia para os nossos ouvidos. Uma lavagem nas nossas almas podres de rock reciclado feito nas coxas. Uma aula de melodia e bom gosto. Tudo isso facilmente encontrável em um show do Violeta de Outono mais perto de você. Eles prometeram voltar em breve, nos resta aguardar e torcer muito para que não se passem mais 4 anos de espera.
==Setlist== Outono Declínio de Maio Além do Sol Cartas Ondas Leves Fronteira Eyes Like Butterflies Solstício Dia Eterno Noturno Deserto Sombras Flutuantes Tomorrow Never Knows (The Beatles)
==Bis== Arnold Layne (Pink Floyd) See Emily Play (Pink Floyd)
*Até o final do dia entrará aqui o vídeo da entrevista exclusiva do Violeta de Outono concedida ao BM.
Foi no dia 09/06/2006 a primeira passagem do Violeta de Outono em Mogee das Creizes, em apresentação antológica no Teatro Vasquez na turnê de seu álbum ILHAS, a qual reproduzimos abaixo em texto publicado, na época, para o extinto site do projeto "Peqeno Mudo".
Pra quem não foi, vale a lida pra sacar o que é uma apresentação dos caras. E pra quem foi, vale relembrar. É claro que na apresentação de hoje, também no Vasquez, o Bequadro marcará presença... Imperdível, oras!
O lendário Violeta de Outono, uma das mais representativas bandas dos anos 80 e uma das poucas que não sucumbiram aos apelos sufocantes impostos pelas gravadoras “mainstream”, passou pela primeira vez na cidade neste final de semana graças a uma iniciativa do mogiano Fernando Cardoso em parceria com a Prefeitura Municipal de Mogi das Cruzes. Eis aqui o relato exclusivo do Peqeno Mudo – único veículo presente no local para cobertura deste raro momento.
Formada por Fábio Golfetti (guita/voz), Claudio Souza (bateria), Gabriel Costa (baixo) e o já citado Fernando Cardoso (teclados), a banda fez uma apresentação antológica de quase 2 horas no Theatro Vasquez (antigo Municipal) para os poucos sortudos que lá encontravam-se, em torno de 70 pessoas.
Logo de início a longa intro capitaneada pelo teclado “Wrightiano” de Fernando Cardoso anunciaria, ainda de cortinas fechadas, a lisergia que seria a apresentação. Fez-se dela então a bela Noturno Deserto devidamente emendada pelo maior hit do VDO, Dia Eterno (ambas do primeiro álbum, auto-intitulado) que, com a batera certeira de Claudio Souza, foi recebida calorosamente pelo público presente.
A qualidade de som estava incrivelmente nítida, a sensação que tínhamos era de estarmos sentados na poltronas de nossas casas assistindo a um DVD da banda num sistema de Home Theater, tamanha era a definição e qualidade alcançada pelos músicos. Arrepiante, onírico, inesquecível!
Após mandarem Blues, ótima composição de pegada do último álbum chamado “Ilhas”, o qual o VDO está divulgando nesta turnê, eles surpreenderam os fanzocas mais antigos de plantão ao tocarem uma fiel versão para a maravilhosa Trópico que faz parte originalmente do 1º EP de 1986! Acachapante, Etérea, Iluminada... Ao ouvir as notas concisas emitidas pelo baixo de Gabriel Costa, as primeiras lágrimas comovidas começaram a tomar conta deste que vos escreve (mais tarde, ficaríamos sabendo que a inclusão de Trópico no setlist foi escolha do mogiano Fernando)... Luz, também do 1º álbum, viria em seguida para balançar de vez nossas consciências, seguida de Eyes Like Butterflies que se trata de uma composição do Invisible Opera Co. of Tibet – projeto paralelo do VDO.
De uma breve pausa se fez outro petardo do 1º álbum, Faces, em versão onírica recheada de teclados psicodélicos e da voz etérea de Fábio Golfetti que insistia em hipnotizar os presentes. A tremedeira nos sentimentos e a subsequente crise de lágrimas incontidas se manifestou então neste que digita estas linhas quando Mr Golfetti anunciou que a próxima peça seria uma homenagem ao grupo que mais influenciou o VDO, Pink Floyd. Os glissandos emitidos pelo guitarrista logo me trouxeram a imagem do Coliseu de Pompéia vazio. Sim, se tratava de Echoes - obra máxima dos ingleses, tocada em sua integralidade e com perfeição ímpar! 22 minutos de uma odisséia mental e sísmicos espasmos orgásticos, se essa palavra realmente existir...
Uma looonga saraivada de aplausos dos sortudos presentes agradeceram enfaticamente pelo presente recebido, palmas que foram logo retribuidas por Vênus, do segundo álbum, e Júpiter, outra do disco Ilhas que teve uma belíssima introdução tocada por Fernando Cardoso em um piano de cauda que estava estrategicamente disposto sobre o palco.
Voltando ao primeiro álbum, a esplêndida Declínio de Maio trouxe ao Teatro todo o clima de uma noite de outono que – coincidentemente – se fazia lá fora, seguida então da faixa-título do 2º álbum Em Toda Parte e fechando maravilhosamente o set, chaparam os ouvidos dos menos avisados com Tomorrow Never Knows, o "som-de-uma-nota-só” dos Beatles fase Revolver (apesar de ser creditada a Lennon/McCartney, foi escrita por John Lennon em adaptação ao livro de Timothy Leary baseado no "Livro Tibetano dos Mortos". É considerada como uma das primeiras peças da psicodelia, onde suas letras duelam com aspectos espirituais agregadas à evidente influência Indiana destacada por trás da melodia).
Ledo engano para aqueles que pensavam que a odisséia teria terminado. Após alguns minutos de insistentes pedidos de bis, eis que o VDO retorna ao palco do Theatro Vasquez mandando Mulher na Montanha, única música tocada de seu terceiro álbum que leva este mesmo nome, para em seguida fechar gloriosamente esta inesquecível apresentação com a clássica e melancólica Outono. O que restaria após esta overdose de psicodelia em hi-fi? Cantar no extremo do mundo, esperar em silêncio profundo...
== setlist == NOTURNO DESERTO DIA ETERNO BLUES TRÓPICO LUZ EYES LIKE BUTTERFLIES FACES ECHOES (Pink Floyd) VENUS JUPITER DECLINIO DE MAIO EM TODA PARTE TOMORROW NEVER KNOWS (The Beatles)
Depois de meses trabalhando em algo que habitava apenas o universo imaginário, a banda paulistana Up Brothers “pariu” Dias em Claro, seu novo EP. Os músicos Rick (voz e guitarra) e Guilherme (voz e bateria) apresentam o novo xodó da banda, dessa vez, acompanhados pelo guitarrista Felipe Lucas. Dias em Claro conta com a participação de outros compositores que se encaixaram no conceito do novo trabalho da banda. O EP foi então recheado de canções com batidas dançantes e arranjos afiados, levando uma abordagem urbana que ilustra situações peculiares da vida nas grandes cidades. Dentro desse novo projeto, a banda está preparando seu primeiro videoclipe, mas a música escolhida ainda é uma surpresa. No entanto, todos os fãs e amigos serão convidados para fazer uma participação especial em algumas cenas da gravação do clipe. Por isso é legal ficar ligado, pois o EP é apenas o primeiro lançamento do projeto Dias em Claro.
Felizmente, a complexidade ali vai longe. Adiei bastante esse faixa-a-faixa por não saber, até agora, como traduzir em palavras o que se passa no The Children´s Object Book. Um nome um tanto peculiar, relacionados às belas imagens do encarte e talvez à prosa poética que se estende ao longo das dez faixas pulsantes desse álbum de estréia – um retrato sobre a crueza das relações humanas objetais, a busca por uma saída em meio ao caos interior, a confusão e o deslocamento social - um retrato sobre o que nos aguarda após a infância.
Glassbox tem um “q” de: catártico, teatral, noturno, tenso, dramático, visceral, agressivo, austero.
Behind Backalley Sounds
Cris Tavelin: De onde partiu a idéia do nome Glassbox?
